La vida de Billie Holiday, la diva del jazz silenciada por el racismo americano, llega a la cartelera

La joven cantante Andra Day (1984) no había rodado ninguna película; apenas algún cortometraje. Su primer papel en cine le ha valido el Globo de Oro a Mejor Actriz dramática; un hito aún mayor considerando que se trata de la primera afroamericana en lograrlo desde Whoopi Goldberg en 1985 con El color púrpura. Hoy se estrena en Van Dyck Los Estados Unidos contra Billie Holiday, un revelador biopic sobre la diosa del jazz.

Fue la voz femenina más influyente del siglo junto con la de Ella Fitzgerald. La idolatraba la crítica, el público y colegas como Sinatra. Y sin embargo Holiday (1915-1959) vivió una historia breve, fulgurante y terrible. Creció en la pobreza y sordidez del Baltimore de entreguerras. De adolescente estuvo internada en un reformatorio, fue violada, se prostituyó. Hasta que empezó a cantar en los bares de Harlem, donde un cazatalentos la fichó para la discográfica Columbia. Su ascenso a la gloria fue rápido, aunque siempre lastrado por dos problemas: sus adicciones y el racismo que sufrió.

Pionera de los derechos civiles, en la canción Strange Fruit lanzó una crítica desgarradora a la segregación, los linchamientos de los negros y la violencia supremacista blanca en su país, un tema que nadie había abordado en la música. Desde entonces, el Gobierno se empeñó en destruir su carrera. Fue toda una caza de brujas. La investigaron. La acosaron. Y terminaron retirándole la licencia para actuar en clubes de Nueva York. Holiday moriría a los 44 años, arruinada y sola. El filme relata aquellos tiempos de lucha y de excesos, y lo firma Lee Daniels, que había abordado la discriminación en la durísima Precious (Oscar a Mejor Guión) o El mayordomo, con Forest Whitaker. Pero el gran hallazgo es Andra Day. Desconocida en la pantalla, ya era una estrella en el R&B, apadrinada por Stevie Wonder, colaboradora de Alicia Keys, tres veces candidata a los Grammy y autora de un tema (Rise up) que el movimiento social Black Lives Matter adoptó como símbolo.

Aparte de este estreno, Van Dyck lanza un documental idóneo para estas fechas: La Pasión en el arte. Phil Grabsky y su reputada productora Exhibition on Screen indagan en la representación de la muerte y resurrección de Jesucristo en la pintura y la escultura occidentales: de renacentistas como Miguel Ángel (la Piedad) y Rafael (Transfiguración) a barrocos como Rubens (La elevación de la cruz) o Caravaggio (Negación de San Pedro), hasta llegar al siglo XX, con Dalí o Munch.

Cualquier aficionado al arte, creyente o no, sabe que siempre ha estado ligado a la religión. De los primeros siglos hasta hoy, los creadores entendieron el potencial narrativo de la Pascua, una tragedia que lo tiene todo: traición, humillación pública, tortura, sacrificio, culpa, vergüenza, redención. Así, un mismo motivo se ha reflejado de formas muy diversas. Unas se concentraban en la figura del Mesías, otras en el pueblo judío, en los apóstoles, en los oficiales romanos. Unas subrayaban lo salvaje, otras lo espiritual. Este enriquecedor monográfico solo se proyectará el Jueves Santo y Viernes Santo (1 de abril a las 17.30; 2 de abril a las 20.00)

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